Celebrations of the 250th anniversary of the death of Luigi Vanvitelli, winning project of the second edition of Strategia Fotografia, a call for proposals by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture for the selection of proposals for the acquisition and valorization of photography and the Italian photographic heritage.
Celebrazioni del 250° anniversario della morte di Luigi Vanvitelli, progetto vincitore della seconda edizione di Strategia Fotografia, bando della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per la selezione di proposte di acquisizione e valorizzazione della fotografia e del patrimonio fotografico italiano.
Luciano Romano solo exhibition_Pio Monte della Misericordia, Napoli
April-September 2022
The project Ex Novo concerns Art itself, exploring the visual clues which trigger the creative process. We are living in difficult times, in the midst of epidemics, conflicts, migration, violence that is reminiscent of a historical reoccurrence, the seventeenth century, the “Century of Rage” which saw the birth of the Pio Monte della Misericordia. Ex Novo highlights the feelings of empathy and compassion towards frail, vulnerable people. It is composed by six picture that, between April and September 2022, surrounds Caravaggio’s masterpiece, Seven acts of Mercy. Loosely based on details of great baroque painting, they interpret the ethical mission based on solidarity of the Pio Monte in accordance with the logic and urgency of our time.
Ex Novo si riferisce alla Storia dell’Arte, ricercando gli indizi visivi che innescano il processo della creazione. Stiamo vivendo un momento difficile, tra epidemie, conflitti, esodi, violenze che fanno pensare a un ricorso della Storia, al Seicento, al “Secolo di Furore” che vide nascere le creazioni del Pio Monte della Misericordia. Ex Novo mette in luce i sentimenti di empatia e compassione nei confronti delle persone fragili e vulnerabili. Sono sei immagini che da aprile a settembre del 2022 fanno ala intorno al capolavoro di Caravaggio, le Sette opere di Misericordia. Liberamente ispirate a dettagli della grande pittura barocca, interpretano la missione etica e solidale del Pio Monte secondo le logiche e le urgenze del nostro tempo.
Luciano Romano’s portraits for Scampia Station in Naples Underground, December 2019
“Music cannot be posed, because of its nature, it escapes from any visual representation”. Still, in photographing music, the artist has found a metaphor just as credible as all the things that compose the Scambiapassi project: the sea, in its endless flow and inspiration, and our shimmering relationship with it. A sea that – with its gulf that shines at the “Sole mio” or under the glimmer of the stars and a “Luna Rossa” – has inspired a lot of Neapolitan music, but in Scampia, as in many other central districts of Naples, it seems historically and creatively so distant (after all, Anna Maria Ortese wrote that “The sea does not flow through Naples”). But it is the sea, indeed, that brings the harmonic evocation and rhythmic excitement of singing and music, making themselves “a possible representation” of their very “raison d’être”. Fourteen full-length pictures of Neapolitan musicians and singers, portrayed in black and white at the encounter between solar backlight and artificial lighting, placed along the same horizon line, the one among sea and sky, while they take a step forward, moving closer or going away, in a constant dynamic between scene and background, light and shadow, masculine and feminine, cultured and popular, memory and intuition. As if, even fixed on the photographic paper, these images return us the motion itself of the creative process from which Neapolitan songs and melodies were all originated on the shores of this gulf. The matrix structure of these portraits turns out to be the image of the German artist Joseph Beuys (Krefeld, 1921 Düsseldorf, 1986) We Are The Revolution (1971): every note and every chord of hope or desperation, seem to be recalled from this gesture that demands our attention and participation… “If I have tochoose an image, the Neapolitan music inhabits my thoughts like this”… And here there is another surprising reference in the genesis of Scambiapassi: precisely of a conception of art understood and practiced by Beuys as inclusion and activation, in a research that leads to the same level of existential event and maieutic and formative function of artistic acting. The art-life relationship originated from the Beuys’ Soziale Plastik, subverts an experience of artwork as a fetishistic object to contemplate for assuming an anthropological value and a democratic function of responsibility towards every human being, solicited to participate in the society’s decision mechanisms and to be committed actively, critically, responsibly. We Are The Revolution, therefore, is not only the image taken at Casa Orlandi in Anacapri becoming the manifesto published for the artist’s first personal exhibition in Naples, on 13th of November 1971, at the Lucio Amelio gallery. But it is also, and above all, a code word that seems to reverberate up to a public art project such as Scambiapassi, indeed, will be. Andrea Viliani
Le immagini fotografiche di Luciano Romano per la stazione metro di Scampia, dicembre 2019
“La musica non la puoi mettere in posa, per sua natura sfugge a ogni rappresentazione visiva”. Eppure, nel fotografare la musica, l’artista ha reperito una metafora altrettanto verosimile, come lo è tutto ciò che compone il progetto Scambiapassi: il mare, nel suo flusso e ispirazione senza fine, e il nostro cangiante rapporto con esso. Un mare che – con il suo golfo che risplende al “Sole mio” o sotto il baluginio delle stelle e di una “Luna rossa” – ha ispirato molta della musica napoletana, ma che a Scampia, come in molti altri quartieri anche centrali di Napoli, storicamente e creativamente sembra invece così distante (scriveva del resto Anna Maria Ortese che Il mare non bagna Napoli). Ma è appunto il mare che porta con sé l’evocazione armonica e l’eccitazione ritmica del canto e della musica, facendosi “possibile raffigurazione” della loro stessa “ragion d’essere”. Quattordici fotografie di musicisti e cantanti napoletani a figura intera, ritratti in bianco e nero all’incontro fra controluce solare e illuminazione artificiale, posti lungo la stessa linea d’orizzonte, quella fra mare e cielo, mentre fanno un passo in avanti, avvicinandosi o allontanandosi, in una costante dinamica fra scena e retroscena, luce e ombra, maschile e femminile, colto e popolare, ricordo e intuizione. Come se, pur fissate sulla carta fotografica, queste immagini ci restituissero il moto stesso del processo creativo da cui canzoni e melodie napoletane sono scaturite, tutte, in riva a questo golfo. La struttura-matrice di questi ritratti si rivela essere l’immagine dell’artista tedesco Joseph Beuys (Krefeld, 1921-Düsseldorf, 1986) La rivoluzione siamo noi (1971), riportata sul manifesto della mostra personale alla Modern Art Agency di Lucio Amelio e realizzata mentre l’artista era ospite di Pasquale e Lucia Trisorio alla Casa Orlandi di Anacapri: ogni nota e ogni accordo, di speranza o di disperazione, sembrano richiamati da questo gesto che reclama la nostra attenzione e partecipazione… “Se proprio devo scegliere un’immagine, la musica di Napoli abita così i miei pensieri”… Ed ecco un altro riferimento sorprendente nella genesi di Scambiapassi: quello appunto a una concezione dell’arte intesa e praticata da Beuys come inclusione e attivazione, in una ricerca che conduce sullo stesso piano vicenda esistenziale e funzione maieutica e formativa dell’agire artistico. Il rapporto arte-vita che scaturisce dalla Soziale Plastik beuysiana sovverte un’esperienza dell’opera d’arte come oggetto feticistico da contemplare per assumere un valore antropologico e una funzione democratica di responsabilizzazione nei confronti di ogni essere umano, sollecitato a partecipare ai meccanismi decisionali della società e a impegnarvisi attivamente, criticamente, responsabilmente. La Rivoluzione Siamo Noi non è quindi solo l’immagine scattata a Casa Orlandi ad Anacapri e diventata il manifesto pubblicato per la prima mostra personale dell’artista a Napoli, il 13 novembre 1971, presso la galleria di Lucio Amelio. Ma è anche, anzi soprattutto, una parola d’ordine che sembra riverberarsi fino a un progetto d’arte pubblica quale è, appunto, Scambiapassi. Andrea Viliani
TRIENNALE Milan – Teatro CRT – 6-10 May 2015
An international project by TSINGHUA UNIVERSITY Academy of Arts and Design-Beijing and NABA Nuova Accademia di Belle Arti Milano a production by UNI-CLASS and Change Performing Arts
choreography Yang Jiang music Feng Mantian with Zhang Jian images Luciano Romano
set design Margherita Palli with Marco Cristini costumes Colomba Leddi with Miao Ran light design Paolo Casati artistic advisor Su Dan
Multimedia Art Museum, Moscow / Moscow House of Photography Museum.
PHOTOBIENNALE 2014
curated by Olga Sviblova
Shirin Neshat Don’t Ask Where the Love Is Gone Photography by Luciano Romano Commissioned by Comune di Napoli / Stazione Toledo / Metropolitana di Napoli spa Project by Change Performing Arts, Milan Curated by Achille Bonito Oliva Produced by Franco Laera Courtesy of the artist and Gladstone Gallery, New York and Brussels OPENING Preview 12/03/2014 OPENING 13/03/2014
Miami, Main Library Auditorium – June 22 – August 7, 2013
San Francisco, The Italian American Museum – December 5, 2013 – January 26, 2014
An itinerant exhibition, with 150 works by renowned photographers and images from famous films shot on UNESCO World Heritage Sites in Italy. The exhibition aims at showcasing Italy’s 47 properties inscribed on the World Heritage List. Photographers include some of the most notable Italian contemporary artists: Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, William Guerrieri, Vittore Fossati, Mimmo Jodice, Giuseppe Leone, Raffaela Mariniello, Luciano Romano and Ferdinando Scianna.
Una mostra itinerante con 150 opere di celebri fotografi e un montaggio cinematografico con scene tratte da celebri film aventi per tema i siti del Patrimonio dell’Umanità UNESCO in Italia. La mostra presenta i 47 siti iscritti nella World Heritage List attraverso lo sguardo di artisti della fotografia contemporanea quali Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, William Guerrieri, Vittore Fossati, Mimmo Jodice, Giuseppe Leone, Raffaela Mariniello, Luciano Romano e Ferdinando Scianna.
Don’t ask where the love is gone permanent installationconceived for the Toledo Station in the Naples Underground by Shirin Neshat, photography by Luciano Romano. Curated by Achille Bonito Oliva, project and production: Change PerformingArts.
Nine actors describe a passage of emotions, from the bewilderment of the young girl who opens the series, to the angry fury of the older man who closes the sequence, through nine emotional states where dismay gives way to awareness and anger. The concept of the work was born in 2011 on the emotional push of the events of the Arab Spring, when the individual drama of the individual managed to find a dimension of collective protest. Shirin Neshat realized, however, that she could not simply transfer her idea of herself to the contradictory reality of Naples, and at this point she changed the political value of her project to focus on the more markedly individual and human aspect. The choice of light refers to those paintings of the seventeenth century where artists such as Caravaggio, Ribera or Artemisia Gentileschi, coming from other cultural contexts, arrived in Naples, not by chance, pushing the highly theatrical dimension of their works. Those who witnessed the shooting will be able to say that no one was ever posed (hence the choice to use Luciano Romano, a photographer known for his mastery of language, light and theatrical time), that thousands of shots were were produced and dozens of actors and theater-related characters took turns in front of the lens. Shirin Neshat, director of the film “Women Without Men” which won the Silver Lion at the Venice Film Festival, is a visual artist deeply linked to the human dimension and was very skilled in suggesting to the actors not to act in a play, but to tell the stories own personal dramas, whether large or small, succeeding fully. Nine episodes, to be watched through nine windows, a metaphor for the half-doors of the adjacent “bassi”, where individual stories are transformed in spite of themselves into a choral dimension.
Don’t ask where the love is gone installazione permanentecreata per la Stazione Toledo della Metropolitana di Napoli da Shirin Neshat, con fotografie di Luciano Romano. A cura di Achille Bonito Oliva, progetto e produzione: Change Performing Arts. 18/09/2013
Nove attori più o meno noti descrivono un passaggio di emozioni, dallo smarrimento della giovane ragazza che apre la serie alla furia rabbiosa dell’uomo più anziano che chiude la sequenza, attraverso nove stati emotivi dove lo sgomento lascia il passo alla consapevolezza e alla rabbia. Il concept del lavoro nasce nel 2011 sulla spinta emotiva degli eventi della Primavera Araba, quando il dramma individuale del singolo riesce a trovare una dimensione di protesta collettiva. Shirin Neshat si è resa conto tuttavia che non poteva trasferire semplicemente la sua idea alla contraddittoria realtà di Napoli, e a questo punto ha ridimensionato la valenza politica del suo progetto per concentrarsi sull’aspetto più marcatamente individuale e umano. La scelta della luce rimanda a quei quadri del seicento dove artisti quali Caravaggio, Ribera o Artemisia Gentileschi, venendo da altri contesti culturali, arrivati a Napoli spingono non a caso sulla dimensione fortemente teatrale delle loro opere. Chi è stato testimone delle riprese potrà raccontare che mai nessuno è stato messo in posa (e da qui la scelta di servirsi di Luciano Romano, un fotografo conosciuto per la padronanza del linguaggio, della luce e del tempo teatrale), che migliaia di scatti sono stati prodotti e decine di attori e personaggi legati al teatro si sono avvicendati davanti all’obiettivo. Shirin Neshat regista del film “Donne senza uomini” Leone d’Argento al Festival del Cinema di Venezia, è un’artista visiva profondamente legata alla dimensione umana, ed è stata abilissima nel suggerire agli attori di non recitare una pièce, ma di raccontare i propri drammi personali, grandi o piccoli che fossero, riuscendoci in pieno. Nove episodi, da scrutare attraverso nove finestre, metafora delle mezze porte dei bassi contigui, dove le storie individuali si trasformano loro malgrado in una dimensione corale.
Le Filaf d’Or was given this year to the book Gustav Klimt, Tout l’œuvre peint, by Tobias G. Natter, published by Taschen in four languages, , featuring a complete photographic work of the Stoclet Frieze in Bruxelles commissioned exclusively for this book to Luciano Romano. Filaf, the main international festival dedicated to art books and films, awarded a series of prizes to selected participants, during a ceremony held in Perpignan, Fance on 29 June 2013. This year’s jury consisted of Jean-Paul Boucheny, director and producer; Jennifer Flay, director of FIAC; Line Ouellet, director of the National Museum of Art in Québec; Éric de Chassey, director of the Académie de France in Rome and Laurent Le Bon, director of the Centre Pompidou-Metz
Il Premio Filaf d’Or è stato assegnato quest’anno al volume Gustav Klimt, Tout l’œuvre peint, di Tobias G. Natter, pubblicato da Taschen in quattro lingue, che presenta una grande e inedita campagna fotografica del Fregio Stoclet a Bruxelles commissionata in esclusiva per questo volume a LucianoRomano. La Giuria del Prix Filaf, il principale festival internazionale dedicato al libro e al film d’arte era composta da: Jean-Paul Boucheny, regista e produttore; Jennifer Flay, direttrice della FIAC; Line Ouellet, direttrice del National Museum of Art, Québec; Éric de Chassey, direttore dell’ Accademia di Francia a Roma e Laurent Le Bon, direttore del Centre Pompidou-Metz
Curated by Achille Bonito Oliva, Rocca Albornoz june 28 – july 14, 2013 Preview of the installation Don’t ask where the love is gone conceived for the Toledo Station, Naples Underground by Shirin Neshat, photography by Luciano Romano project and production: Elisabetta Di Mambro, Franco Laera CHANGE PERFORMING ARTS
A cura di Achille Bonito Oliva, Spoleto, Rocca Albornoz, 28 giugno – 14 luglio 2013 Anteprima dell’installazione Don’t ask where the love is gone creata per la Stazione Toledo della Metropolitana di Napoli da Shirin Neshat, con la fotografia di Luciano Romano, progetto e produzione: Elisabetta Di Mambro, Franco Laera CHANGE PERFORMING ARTS
Curated by Vega De Martini. Works by Robert Rauschenberg, Anselm Kiefer, Mimmo Paladino, Giulio Paolini and Luigi Ontani from the Terrae Motus Collection, images by Luciano Romano, set design elements from the MeMus Collection – The San Carlo Opera House, Naples, Italy
A cura di Vega De Martini. Opere di Robert Rauschenberg, Anselm Kiefer, Mimmo Paladino, Giulio Paolini, Luigi Ontani dalla Collezione Terrae Motus, opere fotografiche di LucianoRomano, elementi scenografici dal Museo MeMus tratti dalle opere realizzate dagli stessi artisti e rappresentate al Teatro di San Carlo
MeMus Museum and Historical Archive of the San Carlo Opera House, Napoli | Royal Palace
Arte/Opera curated byLaura Valente, Giusi Giustino, Nicola Rubertelli, Giulia Minoli , exhibition project Paolo Altieri, Paolo Colantuoni, photographic project Luciano Romano
MeMus Museo e Archivio Storico del Teatro di San Carlo Napoli | Palazzo Reale
Arte/Opera a cura di Laura Valente, Giusi Giustino, Nicola Rubertelli, Giulia Minoli, allestimento Paolo Altieri, Paolo Colantuoni, cura dell’immagine Luciano Romano
Atlante italiano 003 for MAXXI architecture presents, through a selection of images from a collection of 500 photographs, a cross-section of Italy that is changing. The exhibition, the result of the homonymous competition by invitation launched by DARC in September 2002, offers an unprecedented portrait of Italy at the beginning of the millennium, where the strength of the contemporary landscape imprinted on auteur films is on display: from Gianni Berengo Gardin to Gabriele Basilico, from Armin Linke to Letizia Battaglia, up to the winners of the competition, Vittore Fossati, Luciano Romano and Nunzio Battaglia. Curated by Margherita Guccione, Maria Rosaria Nappi and by Mosè Ricci. The catalog is distributed as an attachment to the June issue of Casabella magazine.
Atlante italiano 003 per MAXXI architettura presenta, attraverso una selezione di immagini provenienti da un patrimonio di 500 fotografie, uno spaccato dell’Italia che cambia. L’esposizione, frutto dell’omonimo concorso ad inviti indetto dalla DARC nel settembre 2002, offre un inedito ritratto dell’Italia di inizio millennio, dove è in mostra la forza del paesaggio contemporaneo impressa su pellicole d’autore: da Gianni Berengo Gardin a Gabriele Basilico, da Armin Linke a Letizia Battaglia, fino al vincitori del concorso, Vittore Fossati, Luciano Romano e Nunzio Battaglia. A cura di Margherita Guccione, Maria Rosaria Nappi e da Mosè Ricci. Il catalogo è distribuito in allegato al numero di giugno della rivista Casabella.
